lunes, 9 de junio de 2014

comentario sobre la clase


En general creo que la materia de Multimedia es muy útil aunque tus intereses de producción estén enfocados en otra área. Por ejemplo con las páginas de internet, incluso lo de processing se me hizo una manera interesante de comprender la imagen desde una perspectiva distinta; así como el desarrollo de piezas interactivas.
En general tanto el profesor Di Castro como su equipo de trabajo son muy buenos apoyando y dirigiendo el proceso de nosotros como alumnos, tienen un amplio conocimiento de la materia.

La sugerencia que haría sería en cuanto al programa, considero que tenemos muy poco tiempo para ver cada tema, y cuando ya le estás entendiendo a algo (por ejemplo lo de processing) ya tenemos que pasar a otro tema, sé que eso es dificil de solucionar, porque el tiempo del semestre es muy corto pero si resulta un poco frustrante no poder profundizar en algo.

Al final me hubiera gustado tener un poco más de libertad en el trabajo final en cuanto a la plataforma, tuvimos que hacer cómputo físico (y entiendo que era el tema) pero hubiera preferido elegir uno de los temas del semestre para desarrollar algo más elaborado al final. Por ejemplo hacer animación con processing.

Pero bueno, entiendo que es complicado por el tiempo del semestre.
Pero creo que es una materia fundamental para todos, no sólo para los que les interesa.

lunes, 2 de junio de 2014

Comentario sobre "La invención de Morel" de Adolfo Bioy Casares

El relato en primera persona nos habla de un fugitivo, el protagonista quien se refugia en una isla desierta. Las imágenes que presenta el autor dentro de la isla me parecen fascinantes, nos habla de un lugar inhabitable que el fugitivo va adecuando poco a poco para poder sobrevivir. Entre la capilla, el museo y la alberca comienza a establecerse. En la descripción de los lugares es muy importante la imagen del espejo, y la repetición de los espacios, probablemente al principio no lo sabemos pero después serán parte fundamental del relato, al menos, en su contenido.
Después de acostumbrarnos a los relatos de éste fugitivo solitario, un día nota la presencia de otras personas; primero sólo con el sonido de un vals y en segundo lugar por sus siluetas. Es interesante cómo se nos presentan como espejismos, casi como algo irreal, como si fuera un desdoblamiento de sus propias ideas y miedo y no como personas reales que habitan la isla.
Observa a una mujer, ella mira hacia un acantilado mientras el narrador la observa desde las rocas. Otro elemento importante es saber que el fugitivo teme que lo vea, sin embargo después sale para hablarle pero ella no responde, es como si él no existiera.
El autor nos relata la historia entre las dificultades de la supervivencia en la isla, el fugitivo se obsesiona con la mujer que ha llamado Fustine.

Uno de los momentos más importantes del relato es cuando éste fugitivo se da cuenta de las repeticiones constantes en los acontecimientos de la isla. Aquellas cosas que eran exactamente las mismas repetidas dos veces o las acciones que eran llevadas a cabo de manera infinita.
Pone atención a uno de los personajes: Morel, quién ha inventado una máquina para fotografiar la realidad continua. De pronto la metáfora toma un giro, es una fotografía al infinito, queda la síntesis de la vida de las personas en siete días exactamente.
El fugitivo se obsesiona con esta idea, investiga más allá de lo que morel dice, al investigar sus planos y apuntes. Así después de experimentos descubre que fustine está muerta y que la única solución para estar con la mujer que cree amar, es incluírse en esta fotografía. Es morir con ella y vivir en este eterno contenedor de vida (o muerte).

Creo que la importancia de la memoria, la permanencia de la imagen y también la significación que le damos son unos de los temas más importantes dentro de la novela, tiene mucho que ver con los desdoblamientos de nuestra propia psique. La memoria es la que nos construye como individuos, como seres existentes dentro de este universo que no terminamos de comprender y que posiblemente nunca comprendamos, sin embargo hay un cambio en la concepción de nosotros mismos a partir de la fotografía, de la imagen en movimiento y me atrevo a deccir que hoy en día a partir de las redes sociales. De algún modo el internet y todo lo que ésto conlleva es una "invención de morel" estamos condenados a vivir en un momento repetido al infinito. Simplemente si pensamos en las personas cercanas a nosotros que han muerto pero que han dejado un facebook o un twitter detras, sabemos que un fragmento congelado de su existencia permanece en red. Hay casos aún más extraños donde alguien sigue gestionando sus páginas o dónde las personas siguen dejando mensajes en ellas como si en el más allá o a donde sea que vayamos después de la muerte (si es que existe algo más) hubiera wi-fi y ellos pudieran verlo (jajaja).
Cargamos a la imagen con demasiada responsabilidad, hoy en día dependemos de ella. y es como si el hecho de no registrar nuestras vidas nos condenara a no existir.

Proyecto de Cómputo Físico


La nueva versión del proyecto de cómputo físico la estoy trabajando junto con Triana Parera y Esteban Mofeta.

En seguido pongo el link del blog de Triana dónde tenemos el archivo final:
http://trianafotografia.blogspot.mx/

lunes, 28 de abril de 2014

Cielo de Ideas (proyecto de cómputo físico)


Introducción:
El proyecto consiste en una instalación en la cual colgarán del techo una  gran cantidad de focos los cuales tendrán un sensor para prenderse (paulatinamente) sólo si una persona está justo debajo de ellos.
Entre más personas entren en la habitación más focos encendidos habrá.

Justificación
Utilizando el "cliché" o la metáfora básica de que al tener una idea "se nos enciende el foco" se busca generar un espacio en dónde ésto sea evidente físicamente. También se busca apuntar a la colectividad: todas las personas tienen ideas, y desde mi punto de vista, buenas ideas. Entre más personas trabajen de manera colectiva habrá más ideas en el espacio. Es sencillo pero puntual.


Primera referencia como boceto de acumulación de fotos, aunque se pretende que la habitación esté vacía. 

La revolución electrónica William Burroughs

 

En mi opinión la parte fundamental del texto se centra en la exploración de la palabra escrita y hablada a lo largo de la historia. Burroughs plantea una metáfora en la que propone a la palabra como un virus, el cual más allá de afectar la vida humana se fusiona con ella y hace que funcionen como unidad. Me parece sumamente interesante la hipótesis del surgimiento de la palabra hablada como consecuencia de la escrita y no al contrario. Podría pensarse que fue primero una necesidad y después una estructuración; pero siempre pensamos esta estructuración materializada en lo escrito, sin embargo lo que representa esta aproximación a la palabra es el simple hecho de comprender la necesidad de manera distinta a la estructuración. (espero se entienda). 
Aunque no se mencione tal cual, o como punto álgido en el texto, Burroughs nos habla de la comunicación y la liberación de las palabras: romper las estructuras y jugar con nuevas y distintas asociaciones de conceptos. Me vino a la mente el texto de Altazor de Vicente Huidobro en dónde habla de la lengua como una eterna nadadora y criminaliza el uso comunicativo que le hemos otorgado. Para Huidobro lo más importante era la fonética y lo que ésta provocaba en una parte mucho más primitiva de nuestro cerebro. Estamos tan viciados y determinados por lo que "creemos" que significan las palabras que no nos damos la oportunidad de explorar sus infinitas posibilidades. Es curioso porque incluso al escribir este texto (o cualquier texto de por sí) pretendo que aquel que lee comprenda lo que digo, pretendo lograr esa ficticia comunicación, y son éstas las cárceles de las palabras. ¿Qué pasaría por ejemplo si comenzara a escribir sin sentido? Digo, ésto es una tarea, pero a fin de cuentas lo que importa de las tareas es que nos modifiquen, que los textos que leemos nos brinden una nueva experiencia y logremos transformar lo que pensamos del mundo, justo... darnos la oportunidad de experimentar. 
Peto lento mes dusco bla leeeee o n es para mi det llah, mi ao, es mujo mash nitso el puet de cas ahh!!!! no me me la mist de te zap de la reverdencia castro de as. Po de ti. 
¿cap te? 
Y ni siquiera lo anterior se escapa de nuestras concepciones.

Dicho lo anterior, prosigo: Otra parte que me pareció sumamente relevante y que se relaciona mucho con mis intereses personales se desprende de lo siguiente: 

Escribir es “articular el tiempo”, poner a disponibilidad de otros hombres la información a través de la duración, gracias a la escritura (internet lo permite también por medio del espacio)

Me interesa mucho la manera en que estructuramos los recuerdos, la memoria en sí y el por qué seleccionamos aquello que nos acompaña a lo largo de nuestras vidas, aquello que nos forma a nivel consciente e inconsciente. Escribir es articular el tiempo, tal vez nuestra mayor concepción del tiempo recae en el registro (hoy en día lo entendemos más como registro que como escritura debido a la gama de posibilidades para registrar un momento: fotografía, video, blogs, diarios, periódicos, televsión, incluso aplicaciones como instagram.) ¿Cómo podríamos comparar las pinturas de las cuevas de altamira con una aplicación como instagram? Considero que el punto de encuentro recae en la experiencia y la necesidad de recordarla, pro supuesto en las cuevas de Altamira existe el factor del rito y el pensamiento mágico religioso, pero ¿No existe también esto en Instagram? ¿En las nuevas tecnologías? si bien en nuestra estructura mental no aparece la palabra rito cada que hacemos una publicación en Facebook o Twitter, considero que forma parte de nuestros rituales contemporáneos, más allá de compartir cierta información o experiencia, estamos generando memoria, buscamos la posibilidad de ser recordados a partir de lo que pensamos o sentimos, de nuestros gustos o intereses. 
Considero que hoy en día nuestra manera de articular el tiempo recae directamente en las redes sociales (se que gran parte de la población no tiene acceso a internet pero hablo estrictamente de una percepción personal como habitante de la Ciudad de México que tiene acceso a internet y que es parte de las redes sociales). En algunas clases Di Castro lo ha dicho de broma: Estoy en Línea, luego existo... bueno, lo creo muy cierto, y me he dado cuenta que muchas personas sin siquiera hacerlo conciente Publican o Twittean, luego existen. Es una manera de validación de la propia vida, es nuestra forma de estructurar el tiempo presente, preservar el pasado y permanecer en el futuro.

lunes, 24 de febrero de 2014

Algoritmo (ejemplo)

De cómo tomar una taza de café

Primero que nada, asegúrese de tener todo lo necesario. ¿Qué es lo necesario? Tener un buen café, y me permitiré un paréntesis antes de continuar (El nescafé no es café, un buen café no puede ser soluble y mucho menos descafeinado, por favor no insista, si lo único que tiene a la mano es alguna de éstas aberraciones, absténgase; vaya a un supermercado y consiga lo necesario). ¿Ya tiene un buen café? Bien; necesitará también agua purificada y una cafetera.
Abra la bolsa del café, no sin antes disfrutar su aroma presionando ligeramente la bolsa con ambas manos y acercando la nariz a la misma.
Coloque la cantidad deseada de agua en la parte trasera de la cafetera (o dónde observe un tanque para agua) dependiendo del número de tazas de café que quiera preparar; yo le recomiendo un mínimo de tres tazas. Posteriormente abrirá el compartimento dónde se coloca el café, puede ser necesario un filtro desechable o no. Algunas cafeteras cuentan con un filtro que se puede lavar y volver a utilizar. Agregue el número de cucharadas que desee, dependiendo de lo cargado que le apetezca su café; yo recomiendo de dos a tres cucharadas por taza.
Con un movimiento sutil regrese el compartimento a su posición inicial y encienda la cafetera.
Espere.
Mientras espera puede comenzar la experiencia de disfrutar el aroma del café, está permitido que huela incluso antes de comenzar a beber su taza de café.
Cuando deje filtrar el café, está listo para servirse una taza.
Coloque la taza vacía cerca de su cafetera, Tome la "taza" de la cafetera y vacíe su contenido en la taza vacía, recuerde detenerse antes de que se desborde su contenido. Si lo prefiere puede probar servir el café desde distintas alturas, incluso puede jugar entre una y otra para generar espuma, o simplemente para verse interesante.
Regrese el recipiente a la cafetera para mantener el resto del café caliente.
Ahora puede tomar su taza, ir a su rincón favorito y acercarla lentamente a su boca, no deje de inhalar su aroma, y abra ligeramente los labios. Incline la taza ligeramente hacia usted y absorba con cuidado. Si en este punto está usted con la lengua irritada, significa que estaba demasiado caliente y necesitará usted soplar hacia la taza para enfiar el café un poco. Si no, puede continuar saboreando su café a sorbos hasta terminar con una taza y continuar con las otras.


Ejercicio AUDACITY

https://soundcloud.com/lau-charles-1/otro 

Arte Pop y Arte Minimalista

ARTE POP

El arte pop es un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por primera vez el término pop art. Con esta abreviatura Alloway se refería al arte popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como objeto principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su destinatario. Se trataba de un arte ciudadano, originario de las grandes ciudades y totalmente alienado de la naturaleza, un arte que usaba imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.
Londres y Nueva York son las cunas del arte pop. Fue en Gran Bretaña donde surgió la primera obra verdadera que se conoce, un collage de Richard Hamilton titulado “Sencillamente, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?”. Pero el primer gran impacto del arte popular en el público británico fue en la “Exposición de contemporáneos jóvenes”, de 1961, que incluía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B Kitaj, y estableció a una generación entera de artistas jóvenes.






En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961. Por ese entonces en Nueva York ya habían aparecido en escena Robert Rauschenberg y Jasper Johns, dos de los precursores del arte pop americano. Y junto a ellos se fue formando un grupo, con nombres de la talla de Andy Warhol , Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Claes Oldenburg y Tom Weselman.

Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de la sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle. Su temática directa y clara lo convirtió en un arte accesible al público en general. El arte pop se nutrió también de imágenes de tebeo, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de anuncios fluorescentes de grandes comercios y de tipografías chillonas.

Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop es Andy Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s” son algunas de sus obras maestras. Warhol quería eliminar de la obra de arte cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Otro de los grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para ilustrar sus conocidos cómics.

Considero que una de las aportaciones más importantes del arte pop es la vulgarización de las temáticas, también el sentido de la obra de arte que tiene que estar hecha por el artista y tener un carácter plástico y absolutamente artesanal. En realidad comienza a ser más importante la idea, o si bien no la idea simplemente el hecho. 
La popularidad, la comercialización y la globalización (es en este punto dónde creo que es muy importante la tecnología) son factores que se permean a lo largo del movimiento del "pop art" 
La divulgación de información hace que las temánicas se vuelvan más cercanas al común. 


http://www.artelista.com/arte-pop.html





ARTE MINIMALISTA

Surge en EE.UU. a mediados de los años sesenta y tiene su máximo desarrollo durante los setenta. 

El término "minimal" es utilizado por primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965 para referirse al bajo contenido artístico de las "pinturas negras" de Ad Reinhart, de las pinturas combinadas de Rauschenberg y de los ready-made de Duchamp. 

El término acabó por referirse casi exclusivamente a los objetos tridimensionales desarrollados por determinados escultores reduccionistas norteamericanos, cuyo progreso eclipso a las manifestaciones pictóricas. 

La pintura "minimal" también se conoce como pintura del silencio, pues se aparta del mundo material y del "ruido" de formas y objetos de la sociedad de consumo (especialmente las obras de artistas como Ryman, Martin y Marden por su vacío sustancial de intención metafísica). 

La pintura "minimalista" es una radicalización del programa reductor comenzado por algunos de los pintores de la abstracción postpictórica a principios de los sesenta. Así, las obras producidas por Olitski (superfícies enfáticas) y Kelly (paneles de color) a partir de finales de los sesenta están dentro de la tendencia minimalista. 



Podemos observar la abstracción total: las obras operan sólo en términos de material, superficie, tamaño y color, llevando a las mismas a una máxima sencillez, juegan mucho con las figuras geométricas, y las organizan en ángulos o líneas rectas. 

Me parece que el minimalismo funciona hasta cierto punto como una gran metáfora, busca esta simplicidad absoluta pero al mismo tiempo juega con valores narrativos absolutamente profundos y contradictorios. La metáfora de la vida y la muerte, etc. Lo efímero se convierte en perdurable y viceversa. En la pintura por ejemplo, podemos comenzar a comprender la pintura cómo tal, en todas sus dimensiones y simplicidad, como mencionaba en el comentario sobre Golan Levin, se comienza a comprender la pintura en un carácter más matérico y sencillo que tan sólo a nivel de representación figurativa.   


PRINCIPALES ARTÍSTAS 

Pintores: Jules Olitski (1922), Ellsworth Kelly (1923), Robert Ryman (1930), Agnes Martin (1912), Robert Mangold (1937), Joe Baer, Brice Marden (1938), Sol LeWitt (1928), Thomas Deyle, Peter Laly, Hernández Pijuan, entre otros. 

Escultores: Sol LeWitt (1928), Dan Flavin (1933-1996), Donald Judd (1928-1994), Carl Andre (1935), entre otros. 

http://www.taringa.net/posts/arte/1095878/Arte-Minimalista.html








DESPUÉS DE LA FOTOGRAFÍA (FRED RITCHIN)

¿Qué sucede con la invención de la fotografía? Nada más que un cambio sumamente radical en el modo de pensamiento del ser humano, la percepción de nuestra propia realidad y de nosotros mismos cambia radicalmente. Aparentemente contamos con un nuevo dispositivo que nos acerca cada vez más a la "verdad", gracias a la fotografía somos capaces de capturar momentos, de preservar la memoria de manera fiel y confiable, tenemos acceso inmediato a ella y podemos creer en su fidelidad. Tenemos una máquina del tiempo. O al menos eso se creía en un principio Luego Ritchin nos habla sobre la fotografía Digital, este cambio que también modificó radicalmente nuestro modo de pensamiento, en lo personal, creo que hoy en día lo sigue haciendo,
Vivimos en una época de reproductivilidad, aquello que antes era único hoy se convierte en común, cada vez más tenemos acceso a generar nuestras propias imágenes, y algo que me parece sumamente interesante en torno al pensamiento de Ritchin es cómo define esto como una propia creación de la realidad. Ahora que cada vez más tenemos la posibilidad de generar imágenes, de captar esa realidad, con mayor razón resulta lógico que la estmos construyendo y determinando a cada momento.

         Un paréntesis anecdótico que considero viene al caso
           (Hace algunos meses fui a casa de una amiga a festejar un cumpleaños, me llevé una gran sorpresa cuando al momento de apagar las velitas del pastel, más de un familiar sacó su celular o cámara fotográfica para capturar el momento, sin embargo, por alguna razón pasó el momento y nadie logró grabarlo. La mayor sorpresa fue ver cómo hicieron que el momento se repitiera con el fin de tenerlo grabado. Hoy en día importa más el recuerdo/prueba que el hecho en sí)

Me parece sumamente importante el concepto de la hiperfotografía, coincido. El acto de tomar una fotografía repercute más allá de una máquina que capta luz, y emana similitudes con la realidad. La fotografía justo, va mucho más allá de eso, tendríamos que comprender que estamos generando realidades, y que si antes con las primeras cámaras que eran menos portátiles moldeabámos la realidad constantemente hoy en día cabe la pregunta de ¿cuál es la verdadera realidad? la que "vivimos físicamente" o el espacio virtual que se está apoderando de nuestras vidas...

GOLAN LEVIN

Golan Levin hizo la licenciatura en el Medialab del MIT. Estudió con John Maeda en el Grupo de Estética y Computación. Su trabajo abarca performances, instalaciones, artes gráficas y proyectos on line. Está especializado en el desarrollo de interfaces que exploran nuevas formas de expresión audiovisual interactivas. Participó en el Festival Internacional Ars Electronica 2001 y 2004; ha sido merecedor del Galardón de Honor del Premio Ars Electronica por el software interactivo de su Audiovisual Environment Suite y por el proyecto audiovisual e interactivo Scribble, ambos en 2000.

http://www.flong.com/bio/es/

http://www.flong.com/




Me parece muy interesante su aproximación a el performance y el arte en general a partir de los medios tecnológicos y mediáticos que utiliza. Considero importante destacar la importancia de los niveles de comunicación a los que accede gracias a lo expresivo pero al mismo tiempo contenido de su trabajo. Me parece que está explorando sistemas de creación que son sumamente importantes en nuestro tiempo, comienza a desdibujar la imaginaria linea entre arte y ciencia, entre lo tradicional y lo innovador o nuevo.

La problemática actual a la que se enfrentan los medios tradicionales tiene que ver con una falsa creencia de sus elementos; considero que el problema no es la pintura, o el dibujo o la escultura sino que no hemos comprendido el fenómeno que abarcan, creemos que pintar es poner óleo sobre un bastidor, pero con éste tipo de pensamiento sólo terminaremos pintando sobre cadáveres, sin llevar nuestras propias reflexiones a expadirse a sus más amplias posibilidades. 
Me queda claro que Golan Levin no pinta, sin embargo si comprendemos al arte en su tradición a partir de elementos de comunicación, de expresión y de aquello que lo conforme podemos ver en Golan Levin una reinterpretación de éstos elementos. Cómo la nueva tecnología nos lleva a evolucionar en cuanto al soporte (forma) y gracias a ello evolucionamos en el concepto (contenido).

domingo, 26 de enero de 2014

FUTURISMO y CONSTRUCTIVISMO (actualizado)

El Futurismo es un movimiento que surge en 1909 en Italia con el manifiesto futurista publicado por Marinetti, para él los muesos eran cementerios del arte.Buscaba  alejarse de la representación del mundo humanista para representar la máquina, el gesto, el movimiento preciso y brusco. Considero que el cambio tecnológico, los descubrimientos, los inventos generaron nuevas formas de pensamiento, de algún modo es evidente que las nuevas experiencias que generaban los avances científicos propiciaron las distintas representaciones que caracterizaron al futurismo  y al constructivismo.

Para los futuristas era muy importante la máquina, la tecnología, los avances que había logrado el hombre y sus gestos. Creían en la belleza de la velocidad, trataban de capturar eso en el nuevo arte.
Enaltecían las máquinas, la velocidad, el vuelo. ¿Por qué? Bueno, sólo imaginar la primera vez que una persona se sube a un avión nos da un claro ejemplo de las nuevas experiencias gracias a la tecnología, ahora bien, si imaginamos la primera vez en la historia que se podía avanzar a grandes velocidades gracias a un automóvil, la primera vez que se observaba el mundo desde otra perspectiva, etc... entonces podemos comprender la transformación de pensamiento.
Cómo ejemplo claro podemos ver un poema que escribió Marinetti a un automóvil.
¡Dios vehemente de una raza de acero,
automóvil ebrio de espacio,
que piafas de angustia, con el freno en los dientes estridentes!
¡Oh formidable monstruo japonés de ojos de fragua,
nutrido de llamas y aceites minerales,
hambriento de horizontes y presas siderales
tu corazón se expande en su taf-taf diabólico
y tus recios pneumáticos se hinchen para las danzas
que bailen por las blancas carreteras del mundo!
Suelto, por fin, tus bridas metálicas.., ¡Te lanzas
con embriaguez el Infinito liberador!
Al estrépito del aullar de tu voz…
he aquí que el Sol poniente va Imitando
tu andar veloz, acelerando su palpitación
sanguinolento a ras del horizonte…
¡Míralo galopar al fondo de los bosques!...
¡Qué importa, hermoso Demonio!
A tu merced me encuentro… ¡Tómame
sobre la tierra ensordecido a pesar de todos sus ecos,
bajo el cielo que ciega a pesar de sus astros de oro,
camino exasperando mi fiebre y mi deseo,
con el puñal del frío en pleno rostro!
De vez en vez alzo mi cuerpo
para sentir en mi cuello, que tiembla
la presión de los brazos helados
y aterciopelados del viento.
¡Son tus brazos encantadores y lejanos que me atraen!
Este viento es tu aliento devorante,
¡insondable Infinito que me absorbes con gozo…
¡Ah! los negros molinos desmanganillados
parece de pronto
que, sobre sus aspas de tela emballenada
emprenden una loca carrera
como sobre unas piernas desmesurados…
He aquí que las Montañas se aprestan a lanzar
sobre mi fuga capas de frescor soñoliento…
¡Allá! ¡Allá! ¡mirad! ¡en ese recodo siniestro!...
¡Oh Montañas, Rebaño monstruoso, Mammuths
que trotáis pesadamente, arqueando los lomos Inmensos,
ya desfilasteis… ya estáis ahogadas
en la madeja de las brumas!...
Y vagamente escucho
el estruendo rechinante producido en las carreteras
por vuestras Piernas colosales de las botas de siete leguas…
¡Montañas de las frescas capas de cielo!...
¡Bellos ríos que respiráis al claro de luna!...
¡Llanuras tenebrosas Yo os paso el gran galope
de este monstruo enloquecido… Estrellas, Estrellas mías,
¿oís sus pasos, el estrépito de sus ladridos
y el estertor sin fin de sus pulmones de cobre?
¡Acepto con Vosotras la opuesta,... Estrellas mías …
¡Más pronto!... ¡Todavía más pronto
¡Sin una tregua¡ ¡Sin ningún reposo
¡Soltad los frenos!... ¡Qué! ¿no podéis?...
¡Rompedlos!... ¡Pronto!
¡Que el pulso del motor centuplique su impulso!
iHurral ¡no más contacto con nuestra tierra inmunda !
¡Por fin me aparto de ella y vuelo serenamente
por la escintilante plenitud
de los Astros que tiemblan en su gran lecho azul!

Me pareció importante agregar el poema, ya que es un claro ejemplo de la importancia de la máquina dentro de éste movimiento. Existe una especie de rito, de adoración a la tecnología y a los avances científicos. De algún modo considero que la idea de comprender el arte y la ciencia como cosas totalmente aisladas es erróneo, pues bien; el futurismo es un claro ejemplo de como la ciencia sirve de inspiración para el arte, y como el arte refleja las aportaciones de la ciencia; a fin de cuentas, trabajan a partir de lo humano, o para el beneficio del hombre.

Por otro lado en el CONSTRUCTIVISMO (principios del siglo XX) muestra un carácter mucho más social y surge después de la revolución de Octubre, en Rusia. Uno de los aspectos más importantes, en relación con la tecnología, tiene que ver con el carácter utilitario y social de éste movimiento. La obra se convierte en un elemento de uso cotidiano, el diseño tiene gran relevancia. Un arte más social tenía que ver con estar más cercano a las necesidades de la gente, por eso predomina la arquitectura y la escultura; el espacio es algo primordial para la reconstrucción de un pensamiento. (habitar).

Al ser la fotografía, el diseño y la propaganda factores primordiales para este movimiento, podemos hablar de la reproducción y difusión en masa, y cómo antes un movimiento como éste habría sido imposible. La fotografía, permitió la imediatez en las imágenes y su alcance a más personas. Las calles se convirtieron en Galerías populares gracias a ésto, el arte se permitió llegar más lejos y generar una perspectiva distinta en cuanto a el mismo.



Expectativas

Lo que espero de una clase como esta es lograr un panorama más amplio respecto a los nuevos medios, encontrar nuevas maneras de expresión, experimentación y juego. Me interesa tener herramientas que me permitan crear y generar atmósferas.
En específico estoy muy interesada en la animación y en aspectos de iluminación de espacios, así como generar dispositivos que me permitan crear atmósferas. En cuanto a lo sonoro tengo la inquietud de crear cortometrajes auditivos. Me gustaría aprender a grabar sonidos con una buena calidad y editarlos para crear ambientes y escenas.
Sin embargo se que es muy amplio el terreno de los nuevos medios y me gustaría conocer lo más posible.
Considero que es muy importante que la ENPEG ofrezca este tipo de materias ya que son sumamente útiles aún cuando existan personas que sólo se quieran dedicar a la pintura o a las artes tradicionales. Es importante aprender de ésto desde la razón más básica cómo aprender a promover tu trabajo en la red etc... hasta comprender tu entorno y tu contexto. Para bien o para mal, los nuevos medios, el internet y todo el avance tecnológico han modificado nuestra manera de pensar y de comprender nuestro entorno y nuestra realidad, la siguen modificando y es por ello que no podemos permanecer ajenos a su comprensión y entendimiento.
Cómo artista es fundamental estar al tanto de lo que sucede a nuestro al rededor, es nuestra materia prima y sería absurdo ignorar lo que ahora forma parte fundamental de nuestros días: la tecnología y los medios electrónicos.

EQUIPO FOTO/VIDEO/CÓMPUTO


NIKON D 3200 con lente 18-55
Canon T4i

HP intel Corei3 3.00 GB (RAM) 64 bits

SOFTWARE
se utilizar: PHOTOSHOP, FIREWORKS, SONY VEGAS, PREMIERE y lo elemental de AFTER EFFECTS

MULTIMEDIA