lunes, 24 de febrero de 2014

Algoritmo (ejemplo)

De cómo tomar una taza de café

Primero que nada, asegúrese de tener todo lo necesario. ¿Qué es lo necesario? Tener un buen café, y me permitiré un paréntesis antes de continuar (El nescafé no es café, un buen café no puede ser soluble y mucho menos descafeinado, por favor no insista, si lo único que tiene a la mano es alguna de éstas aberraciones, absténgase; vaya a un supermercado y consiga lo necesario). ¿Ya tiene un buen café? Bien; necesitará también agua purificada y una cafetera.
Abra la bolsa del café, no sin antes disfrutar su aroma presionando ligeramente la bolsa con ambas manos y acercando la nariz a la misma.
Coloque la cantidad deseada de agua en la parte trasera de la cafetera (o dónde observe un tanque para agua) dependiendo del número de tazas de café que quiera preparar; yo le recomiendo un mínimo de tres tazas. Posteriormente abrirá el compartimento dónde se coloca el café, puede ser necesario un filtro desechable o no. Algunas cafeteras cuentan con un filtro que se puede lavar y volver a utilizar. Agregue el número de cucharadas que desee, dependiendo de lo cargado que le apetezca su café; yo recomiendo de dos a tres cucharadas por taza.
Con un movimiento sutil regrese el compartimento a su posición inicial y encienda la cafetera.
Espere.
Mientras espera puede comenzar la experiencia de disfrutar el aroma del café, está permitido que huela incluso antes de comenzar a beber su taza de café.
Cuando deje filtrar el café, está listo para servirse una taza.
Coloque la taza vacía cerca de su cafetera, Tome la "taza" de la cafetera y vacíe su contenido en la taza vacía, recuerde detenerse antes de que se desborde su contenido. Si lo prefiere puede probar servir el café desde distintas alturas, incluso puede jugar entre una y otra para generar espuma, o simplemente para verse interesante.
Regrese el recipiente a la cafetera para mantener el resto del café caliente.
Ahora puede tomar su taza, ir a su rincón favorito y acercarla lentamente a su boca, no deje de inhalar su aroma, y abra ligeramente los labios. Incline la taza ligeramente hacia usted y absorba con cuidado. Si en este punto está usted con la lengua irritada, significa que estaba demasiado caliente y necesitará usted soplar hacia la taza para enfiar el café un poco. Si no, puede continuar saboreando su café a sorbos hasta terminar con una taza y continuar con las otras.


Ejercicio AUDACITY

https://soundcloud.com/lau-charles-1/otro 

Arte Pop y Arte Minimalista

ARTE POP

El arte pop es un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por primera vez el término pop art. Con esta abreviatura Alloway se refería al arte popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como objeto principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su destinatario. Se trataba de un arte ciudadano, originario de las grandes ciudades y totalmente alienado de la naturaleza, un arte que usaba imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.
Londres y Nueva York son las cunas del arte pop. Fue en Gran Bretaña donde surgió la primera obra verdadera que se conoce, un collage de Richard Hamilton titulado “Sencillamente, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?”. Pero el primer gran impacto del arte popular en el público británico fue en la “Exposición de contemporáneos jóvenes”, de 1961, que incluía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B Kitaj, y estableció a una generación entera de artistas jóvenes.






En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961. Por ese entonces en Nueva York ya habían aparecido en escena Robert Rauschenberg y Jasper Johns, dos de los precursores del arte pop americano. Y junto a ellos se fue formando un grupo, con nombres de la talla de Andy Warhol , Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Claes Oldenburg y Tom Weselman.

Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de la sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle. Su temática directa y clara lo convirtió en un arte accesible al público en general. El arte pop se nutrió también de imágenes de tebeo, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de anuncios fluorescentes de grandes comercios y de tipografías chillonas.

Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop es Andy Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s” son algunas de sus obras maestras. Warhol quería eliminar de la obra de arte cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Otro de los grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para ilustrar sus conocidos cómics.

Considero que una de las aportaciones más importantes del arte pop es la vulgarización de las temáticas, también el sentido de la obra de arte que tiene que estar hecha por el artista y tener un carácter plástico y absolutamente artesanal. En realidad comienza a ser más importante la idea, o si bien no la idea simplemente el hecho. 
La popularidad, la comercialización y la globalización (es en este punto dónde creo que es muy importante la tecnología) son factores que se permean a lo largo del movimiento del "pop art" 
La divulgación de información hace que las temánicas se vuelvan más cercanas al común. 


http://www.artelista.com/arte-pop.html





ARTE MINIMALISTA

Surge en EE.UU. a mediados de los años sesenta y tiene su máximo desarrollo durante los setenta. 

El término "minimal" es utilizado por primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965 para referirse al bajo contenido artístico de las "pinturas negras" de Ad Reinhart, de las pinturas combinadas de Rauschenberg y de los ready-made de Duchamp. 

El término acabó por referirse casi exclusivamente a los objetos tridimensionales desarrollados por determinados escultores reduccionistas norteamericanos, cuyo progreso eclipso a las manifestaciones pictóricas. 

La pintura "minimal" también se conoce como pintura del silencio, pues se aparta del mundo material y del "ruido" de formas y objetos de la sociedad de consumo (especialmente las obras de artistas como Ryman, Martin y Marden por su vacío sustancial de intención metafísica). 

La pintura "minimalista" es una radicalización del programa reductor comenzado por algunos de los pintores de la abstracción postpictórica a principios de los sesenta. Así, las obras producidas por Olitski (superfícies enfáticas) y Kelly (paneles de color) a partir de finales de los sesenta están dentro de la tendencia minimalista. 



Podemos observar la abstracción total: las obras operan sólo en términos de material, superficie, tamaño y color, llevando a las mismas a una máxima sencillez, juegan mucho con las figuras geométricas, y las organizan en ángulos o líneas rectas. 

Me parece que el minimalismo funciona hasta cierto punto como una gran metáfora, busca esta simplicidad absoluta pero al mismo tiempo juega con valores narrativos absolutamente profundos y contradictorios. La metáfora de la vida y la muerte, etc. Lo efímero se convierte en perdurable y viceversa. En la pintura por ejemplo, podemos comenzar a comprender la pintura cómo tal, en todas sus dimensiones y simplicidad, como mencionaba en el comentario sobre Golan Levin, se comienza a comprender la pintura en un carácter más matérico y sencillo que tan sólo a nivel de representación figurativa.   


PRINCIPALES ARTÍSTAS 

Pintores: Jules Olitski (1922), Ellsworth Kelly (1923), Robert Ryman (1930), Agnes Martin (1912), Robert Mangold (1937), Joe Baer, Brice Marden (1938), Sol LeWitt (1928), Thomas Deyle, Peter Laly, Hernández Pijuan, entre otros. 

Escultores: Sol LeWitt (1928), Dan Flavin (1933-1996), Donald Judd (1928-1994), Carl Andre (1935), entre otros. 

http://www.taringa.net/posts/arte/1095878/Arte-Minimalista.html








DESPUÉS DE LA FOTOGRAFÍA (FRED RITCHIN)

¿Qué sucede con la invención de la fotografía? Nada más que un cambio sumamente radical en el modo de pensamiento del ser humano, la percepción de nuestra propia realidad y de nosotros mismos cambia radicalmente. Aparentemente contamos con un nuevo dispositivo que nos acerca cada vez más a la "verdad", gracias a la fotografía somos capaces de capturar momentos, de preservar la memoria de manera fiel y confiable, tenemos acceso inmediato a ella y podemos creer en su fidelidad. Tenemos una máquina del tiempo. O al menos eso se creía en un principio Luego Ritchin nos habla sobre la fotografía Digital, este cambio que también modificó radicalmente nuestro modo de pensamiento, en lo personal, creo que hoy en día lo sigue haciendo,
Vivimos en una época de reproductivilidad, aquello que antes era único hoy se convierte en común, cada vez más tenemos acceso a generar nuestras propias imágenes, y algo que me parece sumamente interesante en torno al pensamiento de Ritchin es cómo define esto como una propia creación de la realidad. Ahora que cada vez más tenemos la posibilidad de generar imágenes, de captar esa realidad, con mayor razón resulta lógico que la estmos construyendo y determinando a cada momento.

         Un paréntesis anecdótico que considero viene al caso
           (Hace algunos meses fui a casa de una amiga a festejar un cumpleaños, me llevé una gran sorpresa cuando al momento de apagar las velitas del pastel, más de un familiar sacó su celular o cámara fotográfica para capturar el momento, sin embargo, por alguna razón pasó el momento y nadie logró grabarlo. La mayor sorpresa fue ver cómo hicieron que el momento se repitiera con el fin de tenerlo grabado. Hoy en día importa más el recuerdo/prueba que el hecho en sí)

Me parece sumamente importante el concepto de la hiperfotografía, coincido. El acto de tomar una fotografía repercute más allá de una máquina que capta luz, y emana similitudes con la realidad. La fotografía justo, va mucho más allá de eso, tendríamos que comprender que estamos generando realidades, y que si antes con las primeras cámaras que eran menos portátiles moldeabámos la realidad constantemente hoy en día cabe la pregunta de ¿cuál es la verdadera realidad? la que "vivimos físicamente" o el espacio virtual que se está apoderando de nuestras vidas...

GOLAN LEVIN

Golan Levin hizo la licenciatura en el Medialab del MIT. Estudió con John Maeda en el Grupo de Estética y Computación. Su trabajo abarca performances, instalaciones, artes gráficas y proyectos on line. Está especializado en el desarrollo de interfaces que exploran nuevas formas de expresión audiovisual interactivas. Participó en el Festival Internacional Ars Electronica 2001 y 2004; ha sido merecedor del Galardón de Honor del Premio Ars Electronica por el software interactivo de su Audiovisual Environment Suite y por el proyecto audiovisual e interactivo Scribble, ambos en 2000.

http://www.flong.com/bio/es/

http://www.flong.com/




Me parece muy interesante su aproximación a el performance y el arte en general a partir de los medios tecnológicos y mediáticos que utiliza. Considero importante destacar la importancia de los niveles de comunicación a los que accede gracias a lo expresivo pero al mismo tiempo contenido de su trabajo. Me parece que está explorando sistemas de creación que son sumamente importantes en nuestro tiempo, comienza a desdibujar la imaginaria linea entre arte y ciencia, entre lo tradicional y lo innovador o nuevo.

La problemática actual a la que se enfrentan los medios tradicionales tiene que ver con una falsa creencia de sus elementos; considero que el problema no es la pintura, o el dibujo o la escultura sino que no hemos comprendido el fenómeno que abarcan, creemos que pintar es poner óleo sobre un bastidor, pero con éste tipo de pensamiento sólo terminaremos pintando sobre cadáveres, sin llevar nuestras propias reflexiones a expadirse a sus más amplias posibilidades. 
Me queda claro que Golan Levin no pinta, sin embargo si comprendemos al arte en su tradición a partir de elementos de comunicación, de expresión y de aquello que lo conforme podemos ver en Golan Levin una reinterpretación de éstos elementos. Cómo la nueva tecnología nos lleva a evolucionar en cuanto al soporte (forma) y gracias a ello evolucionamos en el concepto (contenido).